Berlin Alexanderplatz é o ápice dessa obra. Não é apenas o mais perfeito e ambicioso de seus filmes: é a culminação de um processo que durou diversos anos – filmes com personagens intitulados Biberkopf, com psicologia semelhante à do personagem ou com situações dramáticas livremente adaptadas do livro de Döblin –
até que Fassbinder teve a coragem e surgiram as circunstâncias
de realizá-lo (afinal era um projeto caro, a série mais custosa da
tv alemã até então). Hoje, Berlin Alexanderplatz volta em versão restaurada, em 35mm, graças aos esforços da Fundação Fassbinder, liderada por Juliane Lorenz, montadora e companheira de Fassbinder. Pela envergadura do projeto e pela raríssima oportunidade de ver
a série exibida em película, Berlin Alexanderplatz é o grande
destaque de nossa mostra.

Outro grande destaque foi a presença de Ulli Lommel (foto) para debater com o público sobre sua carreira como ator e diretor,
e sobre sua longa amizade com Fassbinder. Tivemos também o
prazer de publicar, em primeira mão no catálogo da mostra,
o capítulo da então recém-publicada autobiografia de Ulli Lommel intitulado “Os Anos Fassbinder”, com memórias e reflexões sobre
a convivência com Fassbinder; que não apenas revelam traços da personalidade do cineasta, mas também nos permitem aproximar
de sua visão de mundo.

Nossa mostra foi completada por uma seleção de filmes significativos, porém pouco conhecidos de Fassbinder. Pois se alguns de seus filmes já podem ser vistos em DVD, outros ainda permanecem de difícil acesso e constituem verdadeiros enigmas para os cinéfilos e admiradores que desejam conhecer tudo que puderem dos filmes do cineasta. Adicionamos também uma programação complementar com filmes que influenciaram o cineasta – entre os quais filmes de Douglas Sirk e Phil Jutzi – e filmes com participação direta ou indireta, como A ternura dos lobos, de Ulli Lommel, filmado com toda a trupe Fassbinder e com a produção do próprio, e Gotas d’água em pedras escaldantes, filme de François Ozon a partir de uma peça de teatro escrita por Fassbinder. Com isso, pretendemos mostrar que a obra de Fassbinder pode começar com os filmes –  e ter nos filmes seu elemento mais deslumbrante –, mas que também está em tudo aquilo que se deixou influenciar por ela. E que está, também, na liberdade criada pela cabeça de cada um dos espectadores que assistiu a algum filme de Fassbinder e incorporou alguma forma de sabedoria transmitida pelo filme em sua vida.

Acesse também o site da mostra

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No Crepúsculo de Winnipeg
o cinema de Guy Maddin

Um talento desconhecido por muitos, Guy Maddin (foto) vem construindo uma obra ímpar, com alguns momentos particularmente brilhantes. Seus filmes, realizados a partir de roteiros mirabolantes, são fruto da rara mistura de muitos elementos autobiográficos e do universo do cinema mudo, nostálgico, romântico; com uma estética híbrida, muitas vezes propositalmente brega e sempre regidos por uma boa dose de humor negro e diversas esquisitices.

Isolado em sua cidade, Winnepeg, no Canadá, Guy, nunca tendo recebido educação formal em artes, começou a filmar na década
de 1980 e continua até hoje trabalhando de forma bastante independente. Cinéfilo assumido, suas obras são inspiradas na cinematografia de diversos diretores como Abel Gance, Buñuel e Murnau. Inevitavelmente, Guy guarda também muitas comparações. Mas a própria heterogeneidade das comparações (de David Lynch,
Carl Dreyer a JosephVon Sternberg) revela umpouco a
singularidade de sua obra.

A criação do estilo técnico e narrativo próprio de Guy agregou-se
à história do cinema, hoje críticos do mundo inteiro referem-se
ao uso intenso e rico da trilha sonora angustiante, às imagens
pretas e brancas desfocadas e aos respingos dos coloridos
kitsch, como maddinian...

Toda a cinematografia é repleta de visceralidade com imagens que muitas vezes chegama intoxicar. Seu chef-d’ouvre, o curta-metragem
O coração do mundo (melhor filme do festival doToronto de 2000), sua versão musical esplendorosa do Drácula de Bram Stoker, Drácula: páginas do diário de uma virgem, o surrealista A música mais triste do mundo são apenas alguns bons exemplos de obras oriundas de
uma criatividade e ousadia que atravessam as fronteiras
do cinema contemporâneo.

Trazer os filmes de Guy, em sua maioria inéditos no Brasil, e apresentá-los a uma plateia que esteja aberta a recebê-los, foi um imenso prazer. Com a certeza de que este fabulista – que cria a cada filme um universo especialmente estranho e de forma especialmente única – pode trazer muitas inspirações ao público da mostra.

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A FASE NA ALEMANHA

Nascido em Berlim, em 1892, Ernst Lubitsch começou a sua carreira como ator, ainda na época da Alemanha Imperial, em comédias ligeiras passadas no meio pequeno-burguês, interpretando tipos cômicos burlescos judeus. Sapataria Pinkus (Schuhpalast Pinkus, 1916), o primeiro média-metragem realizado por Lubitsch como diretor,
e Não Quero Ser um Homem (1918) são as duas comédias burlescas presentes na mostra do CCBB. Também em 1918 o realizador fez sucesso com um filme dramático, Os Olhos da Múmia, que iniciou
a carreira da grande estrela do cinema mudo, Póla Negri.

Enquanto os grandes diretores alemães da época se dirigiram ao expressionismo alemão ou a filmes políticos, Lubitsch alternou entre
comédias e grandes produções de dramas históricos.

Entre 1918 e 1922, os filmes realizados em seu país de origem antecipavam elementos das comédias sofisticadas que fundaram
sua fama em Hollywood, nos anos 30. Elas brincam com a realidade
de uma maneira satírica, brincam com papeis masculinos e femininos, com identidades sexuais e com o erotismo. O público do CCBB confere os filmes A Princesa das Ostras, de 1919, e As Filhas de Kohlhiesel
de 1920, ambos exibidos em 16mm. Gatinha Selvagem (1921),
com Póla Negri, é um dos destaques da mostra, exibido na
versão restaurada em película 35mm.

A obra de Lubitsch está marcada, ainda, por filmes de época: Carmen,
Madame Dubarry e Ana Bolena. A Chama (Die Flamme, 1922) marca o fim da fase alemã. Rodado em 1922, Lubitsch descreveu o filme, junto com Der Rausch, como a realização mais completa das produções alemães que fez. Os americanos descreveram a estética deste trabalho como “Art Noveau cinematográfico”. O filme não foi conservado e hoje existe somente um fragmento de 43 minutos, que, como uma raridade, completa a parte alemã da mostra e será exibido em formato 16mm.

OS ANOS NA AMÉRICA

Em 1923, Lubitsch viajou para os EUA para fazer Rosita. Mudou-se para Los Angeles e, desde então, continuou a sua carreira com produções americanas. Em 1935, a Alemanha nazista o privou da sua cidadania alemã, fato que o levou a tornar-se cidadão americano, em 1936 - desde que os nazistas chegaram ao poder na Alemanha, em 1933, Lubitsch nunca mais retornou para a sua terra natal.

Com a chegada do som, no início dos anos 30, o realizador se dirigiu ao novo gênero emergente no cinema, o musical. Seu primeiro filme falado foi o musical Alvorada do Amor (The Love Parade), em 1929,
e depois ainda realizou alguns outros musicais, entre eles Uma hora contigo e o clássico A viúva alegre, de 1934, que fez parte da mostra com uma cópia em 16mm. O filme foi famoso por sua mistura de Art Decó, Bauhaus e Neue Sachlichkeit (para o quarto branco da viúva, Lubitsch usou 16 tons diferentes da cor).

No período americano o realizador continuou a especializar-se
em comédias sofisticadas que, muito mais que todos os seus
trabalhos anteriores, marcaram sua carreira e reputação na história cinematográfica. Ele realizou os grandes sucessos Ninotchka, com Greta Garbo, escrito por Billy Wilder, e a comédia anti-nazista
Ser ou não ser - ambos presentes na mostra, em película 35mm.

Referências até hoje, as comédias sofisticadas de Lubitsch destilavam uma sutil ironia em relação a temas polêmicos, do sexo à política.
Seu estilo único e próprio começou a ser chamado de the Lubitsch touch. Este ‘toque Lubitsch’ implica uma brincadeira com as regras rígidas da censura e moral nos EUA da época, construindo situações engenhosas de duplo sentido com uma boa e maliciosa sexualidade: mostra pouco e insinua muito, e olha atentamente para situações inusitadas e para as inevitáveis fraquezas humanas.

Três comédias menos conhecidas também estão no programa: Angel (1937) com Marlene Dietrich como atriz principal, A Oitava Esposa do Barba Azul (1938), e O pecado de Cluny Brown (1946), último filme que Lubitsch completou na íntegra. Em 1947, ano em que veio a falecer, o cineasta recebeu o Oscar honorário. A mostra do CCBB foi completada com um documentário sobre o cineasta, Ernst Lubitsch em Berlim, dirigido por Robert Fischer (2006).

“As lendárias elipses do roteiro só funcionam porque nosso riso
cria a ponte entre uma cena e a próxima”, afirmou certa vez François Truffaut. Essas elipses do roteiro permitiram que, concluído na imaginação do espectador, ele podia brincar com situações (eroticamente) ousadas sem parecer vulgar, o que os críticos americanos chamaram de ‘naughty, but nice’ (safado, porém simpático). O toque Lubitsch implicou também um princípio de esperança - até mesmo em situações que parecem sem saída ele enxergava algo leve.